Мы взяли интервью у легендарного английского дизайнера, который приехал в Испанию, чтобы получить награду Мадридского фестиваля дизайна 2022 года за свою карьеру.
С тех пор, как он начал работать дизайнером (он был одним из основателей легендарной Factory Records), создавая легендарные каверы, Питер Сэвилл достиг чего-то, что находится в пределах достижение очень немногих: быть иконой и влиять на несколько поколений художников из разных дисциплин.
Несмотря на это, Савиль - доступный, доступный человек, который сохраняет свой энтузиазм. Родился в Манчестере в 1955 году. С 1975 по 1978 год изучал графический дизайн в Манчестерском политехническом институте. В 1979 году он стал одним из основателей независимого лейбла звукозаписи, а с тех пор Список завидных клиентов Питера Сэвилла включает такие музыкальные группы, как Roxy Music, Ultravox, Pulp and Suede, а также такие учреждения, как Галерея Уайтчепел и Центр Помпиду.
Художественное оформление Питера Сэвилла для Yohji Yamamoto. Фотография Ника Найта, 1985 год.
После работы в рекламном агентстве Pentagram и неудачи в 1990-х годах Сэвилл вернулся в Соединенное Королевство и заново изобрел себя как дизайнер, сотрудничающий с модными брендами, такими как Yohji Yamamoto (каталоги и кампании, которые они создали вместе, теперь являются редакционной историей дизайна), Jil Сандер, Кристиан Диор, Александр МакКуин, Стелла Маккартни, Мандарина Дак, Живанши, Лакост или Адидас Его работа в сфере моды и культуры значительно повлияла на взаимодействие между искусством и дизайном, стирая границы между двумя дисциплинами. Примерно в это же время он основал SHOWstudio вместе с фотографом Ником Найтом, а в 2004 году был назначен креативным директором Манчестера для продвижения уникальной стратегии бренда города. держит. Мы можем с уверенностью сказать, что есть несколько вещей, которые Сэвилл не сделал в мире дизайна
Теперь этот современный и дерзкий английский джентльмен отправился в Мадрид, где он только что получил награду, присуждаемую ежегодно Мадридским дизайнерским бюро. Фестиваль, назначение в международном календаре дизайна, предложенном La Fábrica, который уже проводится в течение 5 выпусков. В этом году он также разделил награду с испанским дизайнером Патрисией Уркиолой, одной из наших AD100.
С чего вы начинаете заниматься дизайном?
В моем случае я никогда не собирался делать музыкальные каверы. Когда я был подростком в начале 1970-х, мы воспринимали обложки альбомов как независимое средство коммуникации. Мы с друзьями, естественно, интересовались визуальной культурой, говорили о каверах, пластинках, музыке, группах. Это было самое близкое визуальное средство к нашей реальности. Иногда они были более андерграундными, а иногда более мейнстримными. Очевидно, что обложки не были в действительности изобразительным искусством, но я не думаю, что они также относились к графическому дизайну или иллюстрации в строгом смысле каждой дисциплины. Для нас был самостоятельным и доступным видом искусства. В каком-то смысле это была наша собственная версия поп-арта. Меня интересовало искусство в целом, мода, товары, дизайн, архитектура. Я полагаю, что, как и во всем, все начинается с любопытства.
Я уверен, что вы ответили на все возможные вопросы о дизайне и музыкальной индустрии, но могу я спросить, нравятся ли вам эти работы?
Да, я доволен подавляющим большинством работы, которую я сделал в то время. Тем более, что у меня была уникальная возможность сделать это для себя, особенно записи, которые я делал для Factory Records. Брифа не было, заказчиков не было, никто не должен был ничего утверждать Новый Заказ мои проекты не утверждал, более того, вообще не даже как они. Они сделали альбом, а я сделал обложку, и все.
Неизвестные удовольствия, Joy Division, 1979.
Логотип Factory Records, 1978 год.
Власть, коррупция и ложь по новому порядку, 1983.
Какой ваш любимый дизайн?
Power, Corruption & Lies by New Order, которую я сделал в 1983 году по картине Анри Фантен-Латура «Корзина роз».
Что осталось от того подростка? Вам все еще интересно, что происходит вокруг вас, с точки зрения визуальной культуры?
На практике Я другой человек, чем был, когда начинал, но мой дух тот же. Тем не менее Я все еще наблюдаю за эволюцией визуальной культуры И читаю об этом. Я пытаюсь читать и понимать то, что вижу, но очевидно, что сейчас мне 66, и я беспокоюсь о других вещах, чем когда мне было 16.
Питер Сэвилл на презентации своего логотипа Lacoste в 2013 году.
В сегодняшнем ландшафте музыкальной индустрии, новых стилях и популярности компаний, занимающихся потоковым аудио, не стала ли индустрия несколько эфирной, а записи неосязаемыми? Как вы думаете, есть ли будущее у графического дизайна в этом секторе, несмотря на возрождение винила?
Нет. А причина очень проста: каким-то образом тебе больше не нужны хорошие обложки альбомов как в шестидесятых, семидесятых или начале восьмидесятых. Музыкальная индустрия изменилась Ценность и важность обложки альбома как культурной среды для молодежи исчезла, так как теперь у них есть еще 100 каналов для экспериментов. В 1970-х у нас даже не было журналов о поп-культуре. Они не были популярны до начала восьмидесятых, как и The Face.
Это правда; Несмотря на то, что сейчас очень мощный исключительно молодежный рынок, дизайн по отношению к музыке не занимает такого главенствующего места…
Единственным средством визуальной культуры для молодежи были обложки национальных и зарубежных альбомов. Они также связали вас с другими людьми из вашей страны или из других стран. Это было глобальным явлением. Индустрия моды не слишком заботилась о подростках в 1970-х, не было рынка, как сейчас. В этом смысле обложки альбомов были очень важны. Однако теперь возможности, предлагаемые цифровыми медиа, и взаимосвязь между дисциплинами (кино, дизайн одежды, дизайн продуктов, журналы…) являются социальным связующим. Высокая культура и популярная культура более сбалансированы, и в них больше банальностей Все знают более или менее одно и то же и имеют в пределах досягаемости более или менее одно и то же.
Обилие сред позволяет культуре потребляться быстрее?
Очевидно, что потребление больше, быстрее, меньше рефлексии Обложка альбома больше не нужна для привлечения внимания. Люди скачивают музыку, группы любят проецировать изображение, делать баннеры для анонсов своих концертов или иметь значок для Spotify; даже видеоклипы перестали существовать В середине восьмидесятых, с появлением MTV, все хотели иметь видео, и весь бюджет уходил на аудиовизуальные носители. Обложка альбома в наши дни стала анахронизмом; правда, это до сих пор есть, еще есть люди, которые любят покупать пластинки, но для дизайнера это не имеет большого значения Добиться культурного почти невозможно событие в этом смысле, например, когда «Битлз» выпустили «Белый альбом».
В одном из интервью он сказал, что считает себя «инвалидом», так как не специализировался в определенной области дизайна, а также отметил, что его всегда больше интересовали другие предметы, преподаваемые в школе искусства школа «Графический дизайн был способом сообщить что-то о вещах, которые я находил наиболее интересными, таких как архитектура, мода, дизайн продукта и мебель. Хотели бы вы заниматься промышленным дизайном? Или, например, применить свои проекты к другим материалам?
Это не простой вопрос. С одной стороны, я сделал несколько набегов на мир дизайна продукта, например, в сотрудничестве с Kvadrat, для которого я работал консультантом по коммуникациям и разработав свою айдентику в 2004 году. С тех пор меня всегда спрашивали, хочу ли я разработать коллекцию тканей. И в прошлом году мы запустили его.
Technicolor Field, ковер Saville для Kvadrat.
Technicolor Flock, ковер Saville для Квадрат.
Technicolor Field от Saville для Kvadrat.
Важная вещь, когда вы становитесь старше, это осознать то, чего вы не знаете, и уважать другие дисциплины и не верить этому вы можете делать здания или стулья. Сегодня есть ужасные примеры этого («Я не буду называть имен», - говорит он, улыбаясь), но вы должны кое-что знать об этом, прежде чем пытаться что-то сделать. Но мне нравится идея, что у вас есть концепция, а затем вы работаете с кем-то.
Когда вы становитесь старше, важно понимать, чего вы не знаете, и уважать другие дисциплины. Питер Сэвилл
Каково было работать с архитектором Дэвидом Аджайе в выставочном зале Kvadrat в Лондоне? Они хорошо поняли друг друга?
Мы с Дэвидом Аджайе вместе работали в выставочном зале Kvadrat в Лондоне, который открылся в 2009 году. Дэвид действительно сделал мне предложение, и я пошла обсуждать, что нам делать, но он уже все сделал! Он сказал мне: «Это дань вашей работе». Конечно, он позволил мне выбрать дверные ручки (улыбается). По сути, пространство представляет собой большой холст с разноцветной стеклянной стеной на лестнице, как обложка альбома New Order Blue Monday, которую я сделал в 1988 году. Цвет является фундаментальным элементом культуры Kvadrat, поэтому Дэвид спроектировал идеальное пространство, отражающее философию бренда.
Выставочный зал Kvadrat в Шордиче, Лондон.
Вы думали о дизайне интерьера?
В контексте Factory Records в начале восьмидесятых меня спросили, не хочу ли я спроектировать интерьер клуба The Hacienda, и, поскольку я был креативным, они ожидали, что я это сделаю, но, честно говоря, я сказал, что не буду. У меня был друг в Лондоне, Бен Келли, который сделал это.
Возвращаясь к дизайну коллекции текстиля с Kvadrat, как вам впечатления?
Я думаю, что важно знать свои пределы, проявлять уважение и знать, что вы всегда можете работать с тем, кто направляет вас и хорошо знает ваш офис. В «Квадрате» в 2021 году я очень плотно работал с креативным директором Stine Find Osther,, который убедил меня, сказав: «Мы вам поможем, вы даете нам концепцию и мы привносим свой опыт, мы заботимся о производстве для создания текстиля и ковров». Было очень интересно наблюдать и учиться, смотреть образцы, комментировать их, текстуры… Это хорошо, если есть желание; иногда полезно найти новый подход к своей работе.
Коллекция Technicolor Питера Сэвилла для датской фирмы Kvadrat вдохновлена полями Северного Уэльса.
Команде дизайнеров «Квадрата» понравилась моя идея, потому что она отличалась от идей дизайнеров текстиля; абстрактная и романтическая концепция, например, раскрашивание овечьей шерсти в поле разными цветамиЯ хотел выразить идею путешествия, от пасторального ландшафта к культурному ландшафту, и исследовать, что произойдет, если эта окрашенная шерсть станет чем-то другим, но сохранит часть своей природы.
Courtesy of Kvadrat
Продолжение: Основная идея заключалась в том, чтобы текстиль и ковры напоминали о земле, о деревне; мне было интересно привнести что-то снаружи внутрь А что, если оно растекается, как это повлияет на насыщенность цвета и смешение цветов?» Производство было настоящим техническим испытанием, было сложно, но результат был великолепным, и мне очень понравился процесс.
Сотрудничество Saville с Kvadrat началось в конце 2021 года.
Знаете ли вы, что ваша работа стала первой связью с дизайном для многих людей? Среди них Раф Симонс, который сказал, что пластинки, которые вы разработали, произвели на него большое впечатление
Да… Я в курсе. Одной из первых коллекций, которые Раф сделал в 2003 году, была состоящая из одежды с рисунками из моего архива, это было немного фанатское. Я не понимала, зачем кому-то шить одежду по моим эскизам. Но он из другого поколения и видит вещи по-другому.
Теперь они высоко ценятся коллекционерами…
Тогда мне было почти 40 лет, и я даже не думал носить такую одежду. Правда в том, что это заставило меня взглянуть на свою работу с новой точки зрения, и это всегда позитивно.
А как насчет дизайна мебели? Вам нравится этот мир?
У меня есть портфолио, полное идей, поэтому, если представится такая возможность, я не прочь попробовать. Но я Активно искать не собираюсь, не знаю, то ли из-за лени, то ли по другим более благородным причинам. Честно говоря, я не хочу заниматься дизайном мебели, потому что нам больше мебели не нужно Есть цитата, одна из моих любимых, я думаю, из Этторе Соттсасс,в начале Мемфисского движения. «Со стульями проблем нет. Римляне уже решили эту проблему». Согласен, по дизайну стульев или столов решать нечего.
Всегда есть что-то новое, новый подход к одним и тем же проблемам, вам так не кажется?
Конечно, за каждым дизайном всегда стоит эстетическая мысль и перемещение элементов в трех измерениях, которые я хотел бы исследовать. Но если это художественный объект, такой как скульптура, вы должны иметь дело с тем, что свойственно миру, к которому он принадлежит, миру искусства, его круговороту и его спорам, а если это дизайн, у вас есть признать, что это дизайн, а не художественный объект. Иногда эти линии пересекаются и все усложняется, и это достаточная причина, чтобы этого не делать!
Но он спроектировал стол, который представил на выставке галереи Пола Столпера в Лондоне (кстати, он делит галерею с Брайаном Ино и Дэмиеном Херстом)
Это интересный пример. Это скульптура, которая является письменным столом. Я был в Берлине, на барахолке, и увидел стол, сделанный из других столов, эдакий реди-мейд или сборка вторсырья Так оттуда же, я поработал над идеей и сделал серию из трех для своей галереи. Меня очень интересует тема утилизации.
Этюд рабочего стола Морицплац, Галерея Пола Столпера, Лондон, 2019.
Арт-объект может иметь силу, это может быть религиозная скульптура, например, дева, быть изображением божества или символом чего-то еще, например, материнства. В этом материалистическом мире, в котором мы живем, я вижу своего рода преданность объекту не с религиозной или духовной точки зрения, а из чрезвычайно сильного чувства желания и обладания. Вы говорили об этом в отношении логотипа Burberry (который вы переработали вместе с Рикардо Тиши в 2018 году), говоря что-то вроде «люди покупают логотип, который оказывается сумкой». Вопрос будет таким: верите ли вы в символическую силу объектов дизайна?
Это хороший вопрос. Предметы искусства исторически и традиционно не имели функции или цели, связанной с использованием. Художественный объект, двухмерный или трехмерный, имеет присутствие, имеет что-то. И иногда это очень реально ощутимо.
Вы имеете в виду те «реальные присутствия», о которых говорил Джордж Штайнер?
Да, точно. Я помню, как однажды посетил музей Креллер-Мюллер в Нидерландах, около 35 лет назад, и он был закрыт для публики, потому что я пошел фотографировать скульптуру. Пока фотограф готовил свет, я пошла гулять; Я не знал коллекцию, и я был совершенно один. В какой-то момент я вошел в комнату, не очень большую, в которой было шесть Ван Гогов. Это было что-то неожиданное, сюрприз, так как я не знал, что они там были. И я никогда не чувствовал ничего подобного рядом ни с каким другим произведением искусства или объектом. Это очень странная вещь. Это было психоактивно, нечто трансцендентное, выражающееся в мире через телесность Это для меня высшая крайность символической силы объекта, а в Ином экстремальным был бы, скажем, вот этот стакан с водой, который у нас тут есть, который отлично выполняет свою функцию, может быть и красив, но не вызывает никаких эмоций.
Но есть объекты дизайна, которые являются «чем-то большим», независимо от их функции…
Да, тоже. Между эстетическим переживанием и абсолютным равнодушием лежит целая гамма возможных ощущений Например, есть стулья из s. XVIII красиво, то ли платье, то ли сумка Биркин, но как бы они ни радовали глаз, это уже не то. Я думаю в конечном счете, зритель дает им эту силу.
Unknown Pleasure, Fluoro Pink, 2019
Chromium Pleasure, 2019.
Unknown Pleasure, Metal Flake, 2019.
Как вы думаете, материал или техника, используемые для изготовления предметов, как-то влияют на наше восприятие их?
Это о значении, любви, приверженности и призвании создателя в произведении. Когда вы видите сумку Birkin, вы вы не просто смотрите на сумку, вы воспринимаете полтора века того, как Hermes мастерски обрабатывает кожу. Я видел, как делаются эти сумки, они сделаны вручную с большой тщательностью, с большой самоотдачей.
Когда видишь что-то, сделанное дешево, небрежно, к которому в процессе производства никто не прикасался, сразу понимаешь, что в нем нет души, что оно абсолютно ничего не передает. В них нет и следа человечности.
Я думаю, это прекрасно, когда люди делают вещи, и мы можем оценить эти качества. Я говорю не только об объекте дизайна. Это может быть еда; Основное - чувствовать, что те, кто создает или производит объект, делают это, потому что хотят сделать это хорошо.
Какое правило №1 в вашей профессии?
Я не мог сказать… Я больше не знаю, чем занимается моя профессия! Но, да, я думаю, есть некоторые правила. В коммуникационном дизайне, без сомнения, и вы, вероятно, можете применить это к другим областям дизайна, это значит иметь идею. Когда у вас есть две идеи, они борются друг с другом и обе проигрывают. Есть идея, это первое правило дизайнера.
Ваше самое ценное имущество это…
Я не знаю… Но объект, с которым я ежедневно общаюсь с тех пор, как купил его в 1980 году, - это мои часы Это Rolex, но что интересно, это модель Gold Shell, сделанная из позолоченной стали (эксперимент, который они провели в семидесятых годах). Ему будет около 50 лет. У меня есть и другие часы, но я до сих пор помню, что в тот день, когда я их купил, часовщик сказал мне: «Тебе больше никогда не понадобятся часы». И он был прав. Это не электричество или что-то в этом роде. Вы ставите его, и он работает. Всегда работает
Если бы мне нужно было сказать о нем что-то более глубокое, кроме того факта, что это Rolex, и что у него есть секундомер и все такое прочее, так это то, что я ему доверяю.
Вы доверяете ему из-за бренда или объекта?
За то, как и кто его разработал. Я могу сказать то же самое о пальто, предмете мебели, зонте или автомобиль, или даже здание. Вы можете доверять объектам, если они хорошо спроектированы.